La qualité de la respiration influence la qualité de vie et les possibilités de performance de l’organisme. Que l’on soit en bonne santé ou non, la manière de respirer est une composante-clé de notre vie.

La quantité et la qualité de mouvement de l’air arrivant aux cordes vocales lors du chant ou de la parole est un élément déterminant pour leur stabilité et la qualité de leur réaction pour produire le son.

C’est en observant les problèmes respiratoires des gens autour de lui que Carl Stough a élaboré les principes de ce qu’il a nommé ” Coordination Respiratoire “.

Il a établi une manière de reconnaître, puis de développer le fonctionnement simultané et optimal de tous les différents muscles impliqués dans la respiration.

Le but de ce travail est d’amplifier et d’harmoniser le mouvement du diaphragme pour restaurer la fonction respiratoire dans son entier.

Cette approche influence non seulement l’état fonctionnel du système respiratoire, mais transforme aussi la personne dans son entier, de par la modification du taux d’oxygène dans l’organisme.

Carl Stough a soigné, et guéri au-delà de ce qui était cru possible, les malades d’affections pulmonaires des plus grands hôpitaux militaires américains. Il a accompagné les sportifs de l’équipe olympique américaine dans leur préparation aux Jeux Olympiques de Mexico.

Il a  été le guide en matière de respiration et de technique de soutien de musiciens et de chanteurs de tous bords, dont plusieurs solistes du Metropolitan Opera, New York.

Ce travail s’adresse autant aux chanteurs, qu’aux orateurs, sportifs,…  et aux personnes atteintes de problèmes respiratoires chroniques.

Cette démarche amène souvent un degré de plénitude, d’endurance et de confort inconnu jusqu’alors. Elle offre aussi d’impressionantes possibilités de rééducation en cas de  problème ou de traumatisme vocal. (nodules, oedèmes, saignement, irritation des capillaires).

La manière d’utiliser les différentes parties du larynx et les éléments environnants, comme la pharynx ou la langue par exemple pour produire le son joue un rôle déterminant dans la qualité de production sonore.

Plusieurs grands professeurs de chant américains se sont penchés sur l’utilisation fonctionnelle du larynx et des muscles qui l’entourent. Leurs recherches montrent comment développer l’utilisation de la voix d’un point de vue anatomique, scientifique.

Ils ont créé des outils simples pour répondre à des problèmatiques complexes.

Globalement, il s’agit pour le chanteur de parvenir à obtenir une production vocale qui protège la voix, dans l’idée d’équilibrer l’activité entre les différents muscles articulateurs. Les objectifs principaux sont la stabilité laryngée et l’adduction médiane des cordes vocales.

Le but est d’éliminer tout ce qui est artificiel dans le son, pour libérer la voix de l’élève telle qu’elle est, puis de la protéger et de la renforcer au niveau de la tessiture, de la puissance et de l’endurance.

Le travail consiste en une découverte, évaluation et prise de conscience des habitudes musculaires laryngées, pharyngées, linguales, maxillaires et cervicales notamment.

Il s’agit ensuite d’une éducation pour utiliser l’organe vocal de la façon adéquate, puis l’élaboration d’une palette de couleurs adaptables aux styles musicaux étudiés.

Les outils employés sont: différents sons et mouvements comprenant des assemblages de consonnes et de voyelles selon les besoins de la voix en question, des sons ” transitoires” contrant une habitude néfaste pour la désactiver et des exercices de motricité fine pour contrer un éventuel surplus de tension.

J’ai eu l’opportunité de me former aux USA sous l’égide de plusieurs spécialistes. Je remercie Spencer Welch, David Jones et Lynn Martin pour leur influence et leur inspiration.

La mise en jeu d’un vécu émotionnel transmis au public lors du chant est capitale tant pour le chanteur, que pour son public. Elle permet au chanteur de modifier les ordres que ses nerfs transmettent à son larynx, pour le meilleur ou le pire selon l’habileté de ses gestes.

Comment utiliser son cerveau et ce qui déclenche les émotions, à savoir les représentations symboliques perçues par le sujet, de façon optimale?

Comment utiliser les éléments de perception du corps (vision, ouïe, propriocéption, ressenti) pour apprendre à maîtriser cette coordination?

Comment nourrir sa voix de ce vécu interne?

Comment trouver le juste milieu entre “être froid sur scène” et “en faire trop”?

Cette partie du travail se fonde tant sur l’approche et l’adresse du texte faites par les comédiens (sous-texte, Stanislavski,…) que sur les recherches actuelles au niveau de l’utilisation de soi et du potentiel humain. (Anthony Robbins, technique Alexander, éléments de recherches de psychothérapie cognitive et comportementale)

Comme je ne suis pas (du tout!) thérapeute, il s’agit de m’assurer que l’élève a à sa disposition les meilleurs outils pour utiliser son système neuro-émotionnel, tout en évitant d’évoquer les composantes concrètes des éventuels bloquages présents.

La nature même de cette coordination la rend délicate à aborder et nécessite soin, mesure et persévérance de la part de l’élève et du professeur.

Le but visé est l’expression unique et authentique de l’individu en pleine possession de ses moyens.